뮤지컬은 어디에서 왔습니까?

믿거 나 말거나, 뮤지컬이 존재하기 전에 시간이 있었다. (나는 알고있다. 나는 당신만큼 믿어지지 않는다.) 그러나 그런 종류의 질문이 제기된다. 그리고 언제 나타 났습니까?

글쎄, 정말 말하기가 어렵습니다. 뮤지컬 극장 역사에 관한 많은 책들은 The Black Crook (1866)에 초점을 맞춘 것 같지만, 그것은 실제로 임의의 출발점입니다. Black Crook 은 확실히 매력적이며, 음악 극장 역사에 대한 저의 코스에서 출발점으로 사용합니다. 미국에서 태어난 최초의 성공적인 음악 제작 이었기 때문입니다. 그러나 그것이 첫 번째 뮤지컬이라고 말하는 것은 미국 뮤지컬의 발전에 기여한 많은 전임자와 전통을 놓치는 것입니다.

역사적으로 음악은 기원전 몇 세기 전에 고대 그리스와 로마 시대부터 연극 공연에 통합되었습니다. 음악은 15 세기에서 17 세기 유럽의 컴 미디어 델 아르테 공연의 주요 부분이었습니다. 물론 16 세기부터 예술적 힘을 발휘 한 오페라가 있습니다.

그러나 오늘날 우리가 알고있는 뮤지컬 극장은 19 세기에 본격적으로 등장하기 시작했습니다. 뮤지컬 극장 인 현대 미술 형식을 만들기 위해 미국과 유럽의 다양한 영향이 모였습니다. 다음은 개발 프로세스에 기여한 가장 중요한 장르의 일부입니다.

펀치 라인이나 그 어떤 것도 포기하지 말고 다음의 모든 논의는 기본적으로 Oscar Hammerstein II와 Show Boat (1927)의 한 사람과 하나의 쇼를 향하고 있습니다. 해머 스타 인이 뮤지컬 극장 역사상 가장 중요한 인물 인 이유 중 하나는 미국과 유럽의 영향을 하나의 응집력있는 전체로 혼합하여 본질적으로 미국 뮤지컬을 창조했기 때문입니다. ("뮤지컬 극장 역사상 가장 영향력있는 사람들"참조)

유럽 영향

20 세기 초반에 미국 극장에서 볼만한 품질이 있다면 해외에서 나왔을 가능성이 높습니다. 아래에서 볼 수 있듯이 뮤지컬 극장에 대한 미국의 영향은 세분화되고 구불 구불하고 통합되지 않았습니다. (그러나 또한 재미있다.) 따라서 미국의 윙은 훌륭한 품질의 행동을 취하면서, 잘 짜여진 쇼를 찾는 관객들은 다음 장르 중 하나를 돌릴 수있다. "opera"라는 단어는 모든 장르 이름에서 두드러지게 나타납니다. 이러한 형태는 대부분 오페라에서 파생 된 것이 었으며, 종종 히파 루틴의 웅장 함과 그 전성기에 오페라를 능가했던 척력에 항의했기 때문입니다.

발라드 오페라: 최초의 오페라 파생물 중 하나는 발라드 오페라였습니다. John Gay와 The Beggar 's Opera가 가장 잘 묘사 된 격렬한 풍자 장르입니다. 발라드 오페라는 18 세기 심각한 이탈리아 오페라의 지배에 대한 건방진 영국의 반응이었다. 주요 차이점 중 일부는 발라드 오페라가 대중적인 음악을 보간하여 종종 의미있는 의도를 보이며 말을하는 대화를 선호하는 암송을 피하는 것입니다. 발라드 오페라는 또한 사회 계급의 역전을 특징으로했다. 저소득층과 도둑이 권위있는 위치에 있었기 때문에 정부를 운영하는 사람들이 범죄자보다 나쁘지 않다는 것을 암시하지는 않는다. Beggar 's Opera 는 최초의 발라드 오페라로 여겨지며 가장 성공적인 오페라 중 하나이며 오늘날도 여전히 수행되는 유일한 발라드 오페라입니다.
만화 오페라: 오페라 부페 라고도하는 만화 오페라는 19 세기에 번성했습니다. 작곡가 자크 오펜 바흐 (Jacques Offenbach)는 오페라 부페 양식의 표준 소장으로 거의 1850 년에서 1870 년까지 거의 100 개의 작품을 창작했습니다. 오펜 바흐는 또한 그랜드 오페라의 규모를 목표로 삼아 기뻐했습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나 인 Orphée aux enfers (Orpheus in the Underworld)는 Christoph Glück과 그의 Orfeo ed Euridice 의 야만적 인 전송으로 의도되었습니다. 영국에서 만화 오페라의 주요 제작자는 WS Gilbert와 Arthur Sullivan과 Savoy Theatre의 D' oyly Carte Opera Company의 인기있는 오페라 시리즈였습니다. Librettist WS 길버트는 그의 귀족적인 미늘을 영국 귀족의 정부와 정부 부패, 특히 미카도 와 일란 테와 같은보다 성숙한 길버트와 설리반의 작품에서 정사각형을 목표로 삼았다.

오페레타: 만화 오페라와 오페레타 사이에는 상당한 양의 겹침이 있습니다. 실제로 많은 사람들이 길버트와 설리반을 지칭하기 위해 "오페레타"라는 단어를 사용합니다. 그러나 만화 오페라와 오페레타를 구별하는 것은 적어도 시간이 지남에 따라 오페레타가 더 심각한 색조를 취했다는 것입니다. 실제로, 그것은 특히 비엔나 전통에서 때때로 눈에 띄지 않게되었는데, 그 중 한 사람은 Johann Strauss II (Die Fledermaus, 1874)였습니다. 나중에, Franz Lehár (1907 년 Merry Widow, 1908)와 Oscar Strauss (1908 년 초콜렛 병사)는 Viense 정맥에서 계속되었지만 Lehár는 약간 곰팡이가 많고 자급자가 된 형태를 다시 활력을 불어 넣은 것으로 알려져 있습니다. 빅터 허버트는 특히 1910 년 그의 히트작 인 Naughty Marietta 와 함께 미국의 오페레타 전통을 개척했습니다. 미국의 오페레타는 제 1 차 세계 대전 동안 사라졌습니다 (결국 우리는 오페레타가 축하하는 세계와 싸우고있었습니다). 작곡가 Sigmund Romberg (1926 년 사막 노래)와 Rudolph Friml (1924 년 Rose-Marie) 덕분에 1920 년대에이 형식은 강력하면서도 짧은 복귀를했습니다.

미국 영향

18 세기와 19 세기 초 미국인들은 새로운 음악 작품을 만들고 참석하는 데 많은 시간을 할애하기 위해 국가 건설에 너무 집중했습니다. 상황이 해결되고 사람들이 엔터테인먼트를 찾기 시작했을 때, 제공되는 제품은 감각적 인 사이드 쇼 및 다임 박물관에서 가족에게 친숙하지 않은 술집 공연에 이르기까지 결정적으로 거칠 었습니다.

Minstrelsy: 묵상하는 것이 끔찍한 것처럼, 최초의 미국식 엔터테인먼트 형태는 Minstrel show였습니다. 공연자들은 얼굴에 검은 색 그리스 페인트를 입히지 않고 궁둥이를 연기하고 노래를 부르며 아프리카 계 미국인을 거만한 방식으로 춤을 추는 춤을 추었습니다. 부끄러운 전통이지만, 상황을 이해하는 것이 중요합니다. 백인계 미국인들은 노예 제도가 폐지 될 때 일어날 일에 대해 두려워했으며, 음탕 한 쇼는 노예를 삶의 내용으로 묘사하고 노예를 울퉁불퉁 한 바보로 풀어 주면서 그러한 두려움을 완화시키는 데 도움이되었습니다. Minstrel 쇼는 깨끗한 가족 엔터테인먼트로 여겨졌으며 1840 년대부터 1900 년까지 지속되었습니다. 1940 년대 말 할리우드는 여전히 미묘한 향수를 불러 일으키고 있습니다. 음탕 한 전통은 또한 "Camptown Races"및 "Dixie"를 포함하여 오늘날 여전히 노래되는 많은 노래에 기여했습니다.
Vaudeville: 대략 1880 년부터 1930 년까지의 미국 엔터테인먼트의 주된 형태는 술집과 다른 곳에서 제공되는 더 거칠고 살진 운임에 대한 가족 친화적 인 대안으로 시작된 vaudeville이었습니다. 보드빌 쇼는 짧고 관련없는 법안으로 구성되었습니다. 결국 법안은 상반기 말과 두 번째 막판에서 두 번째에서 마지막으로 선호되는 위치로 체계화되었습니다. (마지막 장소는 다음 관중들이 들어올 수 있도록 극장 밖으로 관객을 몰아 넣는 형편없는 행동을 위해 예약되었습니다.) Orpheum, Pantages 및 Keith-Albee Circuits를 포함하여 전국에 걸쳐 퍼레이드 빌 극장 체인이 자랐습니다. 수만 명의 연예인들이 같은 행동으로 전국을 여행하면서 생계를 꾸 made습니다. Vaudeville의 행위에는 가수, 저글러, 코미디언, 댄서, 불 먹는 사람, 마술사, 곡예사, 곡예사, 마인드 리더 및 강한 남자가 포함되었습니다. Vaudeville은 유명인, 운동 선수 및 악명 높은 악명을 가진 사람을위한 쇼케이스 역할도했습니다. (시카고 참조)

Burlesque: 자, 이제 약간의 배경이 필요한 단어가 있습니다. 우리가 오늘 "소설"을들을 때, 우리는 집시 로즈 리와 같은 스트리퍼와 헐렁한 바지 만화가 조잡한 농담을하는 경향이 있습니다. 그러나 그것은 단어에 대해 비교적 새로운 의미입니다. 빅토리아 시대 동안, 해학적 인은 실제로 매우 인기있는 가족 오락이었습니다. "회살"이라는 단어는 실제로 "패러디"또는 "캐리커처"에 더 가까운 것을 의미합니다. 1800 년대의 해학적 오락은 험티 덤프 티 (Humpty Dumpty), 히아 와 타 (Hiawatha) 또는 아도니스 (Adonis) 와 같은 잘 알려진 이야기를 가져다가 그와 관련이 있거나없는 노래와 춤의 틀로 사용합니다. 이야기. 19 세기 후반과 20 세기 초, 특히 미국에서 해 학대는 오늘날 우리가 말하는 단어와 관련이있는“트럼펫으로 범프”를 더 많이 받아 들였습니다.

이 모든 오락 형태는 결국 합쳐졌습니다. 유럽의 형태는 미국의 오페레타를 일으켰습니다. 미국의 형태는 초기 음악 코미디를 제작했습니다. 위에서 언급했듯이, Oscar Hammerstein은 1920 년대에이 두 가지 형태 모두에서 견습생으로 봉사했으며, 1927 년 Show Boat 와 함께 두 전통을 하나로 모을 수있는 이상적인 위치에있게되었습니다. Show Boat 의 작곡가 인 Jerome Kern도 마찬가지로 미국과 유럽 모드 모두에서 교육을 받았으므로 Show Boat 를 랜드 마크로 만드는 데 매우 중요했습니다.

이 두 사람은 서로 다른 두 전통을 최대한 활용하여 함께 모였습니다. 미국 측에서 그들은 미국 관객이 식별 할 수있는 현대적인 특성, 보다 현실적인 상황 및 정직한 인간의 감정을 취했습니다. 또한 쇼를 재미 있고 즐겁게 만드는 데 중점을 두었습니다. 유럽 측면에서 그들은 음악과 가사 모두에서 더 강력한 통합과 공예 감각을 취했습니다. 그들은 또한 주변 세계의 사회 문제를 해결하려는 자극을 받아 들였습니다. 따라서 Show Boat 는 뮤지컬 극장의 역사에서 중요한 이정표가되어 혁신의 장을 열었습니다.