마크 로스코의 삶과 예술

Mark Rothko (1903-1970)는 주로 그의 컬러 필드 페인팅으로 알려진 추상 표현주의 운동의 가장 유명한 멤버 중 하나였습니다. 그의 유명한 시그니처 대형 컬러 필드 페인팅은 플로팅, 펄싱 컬러, engulf, 대형 직사각형 블록으로 만 구성되어 시청자를 다른 영역, 다른 차원으로 연결하고 전송하여 일상적인 스트레스의 경계에서 정신을 자유롭게합니다. 이 그림들은 종종 내면에서 빛나고 거의 살아 숨 쉬고 조용한 대화로 시청자와 상호 작용하며 유명한 신학자 마틴 버버 (Martin Buber)가 묘사 한 I-Thou 관계를 연상시키는 상호 작용에서 신성한 느낌을줍니다.

그의 작품과 시청자와의 관계에 대해 Rothko는 다음과 같이 말했습니다.“민감한 관찰자의 눈을 사로 잡아 확대하고 빠르게 사진을 찍습니다. 같은 토큰으로 죽습니다. 그러므로 그것을 세계로 보내는 것은 위험합니다. 감정이없는 사람의 눈과 무능한 사람의 잔인함에 의해 얼마나 자주 손상을 입어야 하는가?”라고 그는 말했다.“저는 형태와 색상의 관계에 관심이 없습니다. 내가 관심을 갖는 유일한 것은 사람의 기본 감정 표현: 비극, 황홀경, 운명입니다.

전기

Rothko는 1903 년 9 월 25 일 러시아 Dvinsk에서 Marcus Rothkowitz로 태어났습니다. 그는 1913 년에 오리건 주 포틀랜드에 정착하여 가족과 함께 미국에 왔습니다. 그의 아버지는 마커스가 포틀랜드에 도착한 후 곧 사망하고 가족은 사촌의 의류 회사에서 일을 끝내기 위해 일했습니다. Marcus는 훌륭한 학생이었고, 이시기 예술과 음악에 노출되어 그림 그리기와 만돌린과 피아노 연주를 배웠습니다. 나이가 들어감에 따라 그는 사회적 자유주의 운동과 좌파 정치에 관심을 갖게되었다.

1921 년 9 월 그는 Yale University에서 2 년간 재직했습니다. 그는 자유 예술과 과학을 공부하고 자유 신문을 공동 창립했으며 1923 년 예일을 떠나 예술가로서의 삶에 헌신하지 않고 홀레 일을 지원했다. 그는 1925 년 뉴욕시에 정착하여 예술가 학생 리그 (Art Students League)에 입학하여 예술가 맥스 웨버 (Max Weber)와 파슨스 스쿨 오브 디자인 (Parsons School of Design)이 아실 고르 키 (Arshile Gorky)에서 공부했습니다. 그는 정기적으로 가족을 방문하기 위해 포틀랜드로 돌아 왔고 그곳에 연기 회사에 한 번 합류했습니다. 연극과 드라마에 대한 그의 사랑은 그의 삶과 예술에서 중요한 역할을 계속했습니다. 그는 무대 세트를 그리고 그의 그림에 대해 말했다. "내 그림은 드라마라고 생각합니다. 내 그림의 모양은 공연자입니다."

1929-1952 년부터 로스코는 브루클린 유대인 센터의 센터 아카데미에서 어린이 미술을 가르쳤다. 그는 아이들에게 가르치는 것을 좋아했으며, 예술에 대한 필터링되지 않은 순수한 반응이 자신의 작품에서 감정과 형태의 본질을 포착하는 데 도움이되었다고 생각했습니다.

그의 첫 1 인 쇼는 1933 년 뉴욕 현대 미술관에서 열렸습니다. 당시 그의 그림은 풍경, 초상화 및 누드로 구성되었습니다.

1935 년에 로스코는 아돌프 고틀립을 포함하여 여덟 명의 다른 예술가들과 합류하여 인상주의의 영향을 받아 당시에 전시되었던 예술에 항의하여 형성된 텐 (The Ten) 이라는 그룹 (9 명만 있음)을 구성했다. The Ten은 그들의 전시회 "The Ten: Whitney Dissenters"로 가장 유명해졌으며, Whitney Annual 개장 3 일 후 Mercury Galleries에서 개장했습니다. 그들의 항의의 목적은 카탈로그를 소개하면서 "실험자"와 "강력한 개인 주의적"이라고 묘사하고 그들의 협회의 목적은 말 그대로가 아니라 표현 적이 지 않은 미국 예술에 관심을 기울이는 것이라고 설명했다. "엄격히 연대 기적 의미에서만 동시대"가 아닌 현지 색으로. 그들의 임무는 "미국의 그림과 문자적인 그림의 유명한 동등성에 항의하는 것"이었다.

1945 년 Rothko는 두 번째 결혼했습니다. 두 번째 부인 인 Mary Alice Beistle과 함께 1950 년에 Kathy Lynn과 1963 년에 Christopher라는 두 자녀가있었습니다.

예술가로서 수년 동안 애매한 끝에 1950 년대에 로스코는 마침내 호평을 받았으며 1959 년 뉴욕에서 현대 미술 박물관에서 주요한 1 인전을 가졌습니다. 또한 1958 년부터 1969 년까지 하버드 대학교의 홀리스 토크 센터 벽화; 뉴욕에있는 Four Seasons Restaurant 및 Seagrams Building의 기념비적 그림; 그리고 Rothko 예배당의 그림.

Rothko는 1970 년 66 세에 자살했습니다. 일부 사람들은 Rothko Chapel의 작품과 같이 경력에서 늦게 어둡고 어두운 그림이 자살을 예고하는 반면 다른 사람들은 그 작품이 정신의 개방이라고 생각합니다 더 큰 영적 인식으로의 초대.

로스코 예배당

Rothko는 John과 Dominique de Menial에 의해 1964 년에 그 공간을 위해 특별히 만들어진 그의 그림들로 채워진 명상적인 공간을 만들기 위해 의뢰되었습니다. 건축가 필립 존슨, 하워드 반 스톤, 유진 오브리와 공동으로 디자인 한 로스코 예배당은 1971 년에 완공되었지만 로스코는 1970 년에 죽었으므로 최종 건물을 보지 못했습니다. 14 개의 Rothko 벽화를 보유한 불규칙한 팔각형 벽돌 건물입니다. 그림은 Rothko의 시그니처 플로팅 사각형이지만 어두운 색으로 칠해져 있습니다. 7 개의 캔버스는 적갈색 바닥에 딱딱한 검은 색 사각형이 있고 7 개의 자주색 색조 그림입니다.

사람들이 전 세계에서 방문하는 종교 간 예배당입니다. Rothko Chapel 웹 사이트에 따르면, "Rothko Chapel은 영적 공간, 세계 지도자들을위한 포럼, 고독과 모임의 장소입니다. 민권 운동가들의 진원지, 조용한 혼란, 움직이지 않는 고요함입니다. 매년 전세계를 방문하는 모든 신앙인 90, 000 명. Óscar Romero Award의 고향입니다. " Rothko Chapel은 국립 유적지 등록부에 있습니다.

Rothko의 예술에 미치는 영향

Rothko의 예술과 생각에는 많은 영향이있었습니다. 1920 년대 중반에서 후반에 학생 인 로스코는 Max Weber, Arshile Gorky 및 Milton Avery의 영향을 받아 회화에 접근하는 방법이 매우 다릅니다. 웨버는 그에게 입체파와 비 표상 회화에 대해 가르쳤다. 고르 키는 그에게 초현실주의, 상상력, 신화 적 이미지에 대해 가르쳤다. 밀턴 에이버리 (Milton Avery)는 여러 해 동안 좋은 친구였으며 얇은 색의 편평한 색을 사용하여 색 관계를 통해 깊이를 만드는 방법을 가르쳤습니다.

많은 예술가들과 마찬가지로, Rothko는 르네상스 회화와 여러 가지 색상의 얇은 유약을 적용하여 얻은 풍부한 색조와 내면의 빛을 크게 존경했습니다.

배우는 사람으로서 다른 영향에는 고야, 터너, 인상파, 마티스, 캐스퍼 프리드리히 등이 있습니다.

Rothko는 또한 19 세기 독일 철학자 인 Friedrich Nietzsche를 공부하고 그의 저서 인 Tragedy의 탄생을 읽었습니다. 그는 그의 그림에 Dionysian과 Apollonian 사이의 투쟁에 대한 Nietzsche의 철학을 통합했습니다.

Rothko는 또한 Michelangelo, Rembrandt, Goya, Turner, 인상파, Caspar Friedrich 및 Ceseanne Manet의 Matisse의 영향을 받았습니다.

1940 년대

1940 년대는 Rothko에게 중요한 10 년이었으며, 그 중 하나는 주로 스타일과 관련하여 고전적인 컬러 필드 페인팅을 통해 많은 변형을 거쳤습니다. MARK ROTHKO의 1993 년 1950-1950 년 결정판 인 Christopher Rothko에 따르면 Rothko는 10 년 동안 5 ~ 6 가지의 서로 다른 스타일을 가졌으며 각각 하나는 앞의 스타일에서 파생 된 것입니다. 그것들은: 1) 비 유적 (c.1923-40); 2. 초현실주의-신화 기반 (1940-43); 3. 초현실주의 자-추상화 (1943-46); 4. 멀티 폼 (1946-48); 5. 과도기 (1948-49); 6. 클래식 / 컬러 필드 (1949-70)."

1940 년 언젠가 로스코는 마지막 비 유적 그림을 만든 다음 초현실주의를 실험하고, 결국 그의 그림에 대한 비 유적 제안을 완전히 없애고, 더 추상화하고 색깔의 분야에 떠있는 불확실한 모양으로 분류합니다. 다른 사람들에 의해-Milton Avery의 그림 스타일에 크게 영향을 받았습니다. Multiforms는 Rothko의 첫 번째 추상화이며 팔레트는 색상 필드 그림의 팔레트를 예고합니다. 그는 자신의 의도를 더욱 명확하게하고, 모양을 제거하고, 1949 년에 색을 더욱 표현 적으로 사용하여 기념비적 인 떠 다니는 사각형을 만들고 그 안에 인간의 감정의 범위를 전달하기 위해 자신의 컬러 필드 페인팅을 시작합니다.

컬러 필드 페인팅

Rothko는 그의 컬러 필드 페인팅으로 가장 잘 알려져 있으며 1940 년대 후반에 페인팅을 시작했습니다. 이 그림은 훨씬 더 큰 그림으로 바닥에서 천장까지 전체 벽을 채 웁니다. 이 그림에서 그는 처음에 Helen Frankenthaler가 개발 한 담금 얼룩 기술을 사용했습니다. 그는 얇은 페인트로 된 레이어를 캔버스에 적용하여 2 ~ 3 개의 빛나는 추상 연한 사각형을 만들었습니다.

Rothko는 자신의 그림이 그림과 분리되지 않고 시청자를 경험의 일부로 만들기 위해 크다고 말했다. 실제로, 그는 다른 작품에 의해 부서지기보다는 그림에 포함되거나 둘러싸여 더 큰 영향을주기 위해 그림을 전시회에 함께 전시하는 것을 선호했습니다. 그는 그 그림이 "웅대 한"것이 아니라 실제로 "보다 친밀하고 인간적인"것은 기념비적이라고 말했다. 워싱턴 DC의 필립스 갤러리 (Phillips Gallery)에 따르면, "그의 성숙한 스타일을 대표하는 그의 대형 캔버스는 시청자와 일대일로 대응하여 그림의 경험에 인간의 규모를 부여하고 색상의 효과를 강화합니다." 그 결과, 그림은 반응 형 시청자에게 미묘한 느낌과 영적 묵상의 상태를 만들어냅니다. 추상적 인 작곡에 매달린 사각형에 적용되는 색상만으로 로스코의 작품은 충동과 경외에서 절망과 불안에 이르기까지 강한 감정을 불러 일으 킵니다. 그의 형태의 유혹과 불확실한 본성에 의해 "

1960 년에 필립스 갤러리는 The Rothko Room이라는 Mark Rothko의 그림을 전시하기위한 특별실을지었습니다. 예술가의 그림 4 개, 작은 방의 각 벽에 그림 1 개가 들어있어 공간에 명상적인 느낌을줍니다.

Rothko는 1940 년대 후반 그의 작품에 색이나 숫자로 구분하는 것을 선호하면서 그의 작품에 기존 타이틀을 제공하는 것을 중단했습니다. 1940-41 년경에 저술 된 The Artist 's Reality: Philosophies on Art라는 책에서와 같이 평생 동안 예술에 관해 글을 썼을 때, 그는 자신의 컬러 필드 페인팅으로 그의 작품의 의미를 설명하기 시작했습니다. 너무 정확합니다."

시청자와 회화 사이의 관계의 본질은 그것을 묘사하는 단어가 아니라 중요한 것입니다. Mark Rothko의 그림은 진정으로 감사하기 위해 직접 경험해야합니다.