민속 음악은 본질적으로 "음악 민속"입니다. 물론 민속은 특정 그룹의 사람들의 이야기와 문화로 구성됩니다. 이 그룹은 가족만큼이나 국가 (또는 당신이 정말로 밀교를 원한다면 세계)만큼 넓을 수 있습니다.

가장 넓은 의미에서, 민속 음악은 사람들 사이에서 연주되고 공유되는 모든 음악입니다. 물론, 그것은 모든 음악을 포함합니다. 그리고 인간은 사물을 그룹으로 구성하기 쉽기 때문에 설명을 조금 좁히는 것이 좋습니다.

전통적으로보다 구체적인 정의는 민속 음악이 여러 세대에 걸쳐 붙어 있고 관련성이 유지되는 노래를 언급했다는 것입니다. 어떤 사람들은 민요가 우리 모두가 (적어도 부분적으로) 알고있는 노래라고 언급했습니다. 이것은 우리가 어디에서 왔는지 또는 언제 배웠는지 반드시 알 필요가없는 노래입니다.

예:

• 국가
• "이 땅은 당신의 땅입니다"
• "우리는 극복 할 것이다"
• "이 작은 빛의 빛"
• 알파벳 노래
• "오래된 맥도날드 농장이 있었다"
• "철도에서 일하고 있습니다"
• "와바시 캐논볼"
• "당신은 나의 햇빛입니다"

보시다시피, 이 중 일부는 우리나라에 관한 노래이고, 일부는 우리가 어렸을 때 세계에 대해 배우는 데 도움이 된 노래이고, 다른 일부는 일하는 것에 대한 노래 또는 집단적 권한을 부여하는 노래입니다.

당신이 알고있는 민요를 고려하기 시작했을 때, 아마도 당신은 당신이 세상에 대해 배운 방식과 세계관이 어떻게 발전했는지를 알게 될 것입니다. 특히 미국에서 위에 나열된 민요는 우리가 노래로 우리의 역사와 문화를 어떻게 문서화했는지를 보여주는 표본 일뿐입니다. 민속 음악을 공부하면 세대가 중요하다고 생각하는 것들을 켤 수 있습니다. 위의 목록을 바탕으로 미국인의 가치 교육, 직장, 지역 사회, 관계 및 개인적 권한 부여를 고려하십시오. 미국 역사에 관한 이야기를 들으면 맞습니다.

이 예에서 민속 음악이 연주되는 악기와 관련이있는 것이 아니라 노래 자체와 사람들이 노래하는 이유를 쉽게 알 수 있습니다.

우리는 왜 민속 음악을 어쿠스틱이라고 생각합니까?

이것은 아마도 20 세기 중반 이후 시장에서 판매 된 방식과 관련이있을 것입니다.

녹음 된 음악은 비교적 새로운 것입니다. 미국 민속 음악의 범위에서 녹음은 전국 각지의 다른 지역 사회에 고유 한 노래를 수집하고 녹음하는 간단하고 필수적인 방법이되었습니다. 예를 들어, 매사추세츠 주 사람들은 루이지애나 바이 유의 케이준 음악에 반드시 익숙하지는 않았으며 그 반대도 마찬가지였습니다. 민속 학자와 음악 학자들은 외출과 여행을하면서 다른 지역 사회의 사람들을 만나고 그들의 삶에 사용 된 노래를 수집해야했습니다. 그들의 삶에서 중요한 사건들을 기록하십시오.

이 현장 기록 중 가장 영향력있는 컬렉션 중 하나는 Harry Smith 's입니다. Alan Lomax의 컬렉션은 미국 민속 음악 스타일과 노래의 또 다른 철저한 라이브러리입니다.

이 녹음에 포함 된 사람들은 어쿠스틱 악기를 연주했습니다. 어떤 경우에는 일관된 전기 공급이없는 지역에서 살았습니다. 아마도 그들은 전기 악기와 그것을 증폭시키는 데 필요한 장비를 감당할 수 없었을 것입니다. 그들에게 제공되는 악기에는 기타 나 밴조가 포함되어 있었으며, 다른 경우에는 숟가락, 휘파람 및 기타 발견되거나 수제 민속 악기였습니다.

이러한 현장 녹음과 초기 스튜디오 녹음의 정신은 Bob Dylan과 Johnny Cash, New Lost City Ramblers와 같은 사람들에게 영향을 미쳤으며 다른 세기 중반의 민속 음악과 컨트리 음악 부흥에 큰 영향을 미쳤습니다. 물론, 전기 악기를 구입할 수있는 더 많은 액세스와 비용을 가진 젊은 뮤지션들이 일렉트릭 기타와 앰프의 형태를 갖추기까지는 시간 문제였습니다. 그러나 민속 공동체의 강한 진영은 스타일의 전통을 지키는 것이 노래가 쓰여진 것과 같은 종류의 악기를 연주하는 것을 의미한다고 주장했다.

'50 년대와 60 년대의 민속 호황기에는 전문 민속 음악가들이 인기를 얻어 음악 산업이 "민중 관중"에게 많이 판매되었습니다. 그리고 어떤 시점 (정확히 책 전체를 채울 수있는 시점)에서 "민속 음악"으로 판매되고 대중적으로 알려진 것들과 실제로 "민속"으로 연주 된 음악이 서로 다른 부분을 차지했습니다. 1980 년대까지, 대중의 대부분은 "민족"으로 여겨졌으며 대부분 어쿠스틱 기타에 독창적 인 단어와 멜로디를 쓰는 독주 가수 작곡가로 구성되었습니다. 이 사람들 중 일부 (Paul Simon, Suzanne Vega)는 전통 민속 음악의 영향을 분명히 받았습니다. 예를 들어 제임스 테일러 (James Taylor)는 어쿠스틱 악기를 사용하여 공식적인 (매우 시장성이 높은) 어쿠스틱 팝 음악을 제작 한 팝 작곡가 들일 가능성이 높습니다.

포크 음악과 어쿠스틱 팝의 차이점은 무엇입니까?

위키 백과는 대중 음악을 "젊은 시장을 지향하는 상업적으로 녹음 된 음악으로, 일반적으로 기술 혁신을 활용하여 기존 테마에 새로운 변형을 만들어내는 비교적 짧고 간단한 노래로 구성되어 있습니다"라고 정의했습니다.

대상 청소년 청중을 제외하고는 매우 느슨하게 찍은 것은 민속 음악을 정의하는 방식과 크게 다르지 않습니다. 그러나 실제로 민속 음악과 대중 음악의 가장 큰 차이점은 대중 음악이 관객을 위해 연주하는 연주자를 대상으로한다는 점입니다. 연설을하는 사람과 대화를하는 사람의 차이점과 유사합니다. 연설자는 팝 가수 일 것이다. 대화가, 민속가.

대중 음악이 문화적으로 무관하거나 지적 또는 창조적 가치가 없다는 것은 아닙니다. 반대로 팝 음악의 역사를 보는 것은 미국 문화와 사상의 역사를 따르는 것과 마찬가지로 존경받을만한 방법입니다. 단순히 별도의 양식입니다. 민속 음악이 사람들의 음악적 목소리 인 경우 팝 음악은 거울에 반영됩니다.