Van Gogh의 영향은 독일과 오스트리아의 표현주의 화가들에게있었습니다.
반 고흐의 영향은 많은 표현주의 작품에서 화가들이 순수하고 밝은 색상의 사용, 색다른 붓질, 자신의 그림에서 대조되는 색상 조합을 모방 한 것처럼 분명합니다. 독일과 오스트리아의 박물관 감독과 개인 수집가들은 반 고흐의 그림을 처음 구입하기 시작했으며 1914 년까지 독일과 오스트리아 컬렉션에 160 개가 넘는 작품이있었습니다. 여행 전시회는 한 세대의 젊은 예술가들을 반 고흐의 표현 작품에 노출시키는 데 도움이되었습니다.
암스테르담 반 고흐 박물관 (2006 년 11 월 24 일 ~ 2007 년 3 월 4 일)에서 열린 반 고흐와 표현주의 전시회의 사진 갤러리와 노이 갤러리에서 빈센트 반 고흐가 독일 및 오스트리아 표현주의 화가들에게 미친 영향에 대해 이해합니다. 뉴욕에서 (2007 년 3 월 23 일에서 7 월 2 일까지). 이 표현은 반 고흐의 작품을 젊은 표현주의 화가의 작품과 나란히 전시함으로써 다른 화가들에게 미치는 영향의 전체 범위를 보여줍니다.
빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh)는 다양한 자화상을 그렸으며 다양한 기법과 접근 방식을 실험 해 보았습니다. 이것을 포함하여 많은 사람들이 전체적으로 동일한 수준의 세부 사항으로 완성되지는 않았지만 심리적으로 강력합니다. 반 고흐의 자화상 스타일 (포즈, 강렬한 붓질, 내성적 인 표현)은 Emil Nolde, Erich Heckel, Lovis Corinth와 같은 표현주의 화가들이 만든 초상화에 영향을 미쳤습니다.
빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh)는 "페인트 된 초상화는 자신의 삶, 즉 화가의 영혼의 뿌리에서 나온 것으로 기계가 손대지 못합니다. 사람들이 사진을 자주 볼수록 더 많이 느끼게 될 것 같습니다. 나를."
(1885 년 12 월 15 일 앤트워프에서 빈센트 반 고흐에서 그의 동생 테오 반 고흐에게 보낸 편지)
이 자화상은 1973 년에 개장 한 암스테르담의 반 고흐 박물관에 있습니다.이 박물관에는 반 고흐의 약 200 점의 그림, 500 점의 그림 및 700 개의 서적과 일본의 개인 소장품이 있습니다. 이 작품은 원래 빈센트의 형제 테오 (1857-1891)의 작품으로 아내와 아들 빈센트 윌렘 반 고흐 (1890-1978)에게 전달되었습니다. 1962 년 그는 작품을 빈센트 반 고흐 재단 (Vincent van Gogh Foundation)으로 옮겨 반 고흐 박물관 (Van Gogh Museum) 컬렉션의 핵을 형성했습니다.
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•이 그림의 세부 사항
밀짚 모자와 예술가의 작업복이있는 반 고흐의 자화상에서 나온이 디테일은 그가 매우 정의 된 방향성 브러시 스트로크로 순수한 색상을 어떻게 사용했는지 명확하게 보여줍니다. 그것을 덜 극단적 인 형태의 Pointillism으로 생각하십시오. 그림을 가까이서 보면 개별 브러시 획과 색상이 표시됩니다. 물러 서면 시각적으로 조화를 이룹니다. 화가로서의 '속임수'는 이것이 효과적 일 수 있도록 당신의 색과 색조에 충분히 익숙해야합니다.
Oskar Kokoschka의 초상화는 "시터의 내부 감성 또는보다 사실적으로 Kokoschka 자신의 모습을 묘사 한 것으로 유명합니다."
Kokoschka는 1912 년에 일할 때 "이미지에 느낌이 쏟아져서 영혼의 플라스틱 구체화가되었다"고 말했다.
(견적 출처: Amy Dempsey, Thames and Hudson, p72의 스타일, 학교 및 운동)
독일 표현주의 화가 Karl Schmidt-Rottluff는 나치가 퇴보했다고 선언 한 작가 중 한 명으로 1938 년에 수백 점의 그림을 압수했으며 1941 년에는 페인트 칠을 금지했습니다. 그는 1884 년 12 월 1 일 켐 니츠 (Saxonia) 근처의 롯 틀럽에서 태어나 1976 년 8 월 10 일 베를린에서 사망했다.
이 그림은 그의 초기 그림의 특징적인 요소 인 강한 색상과 강한 붓 자국을 사용하는 것을 보여줍니다. 반 고흐가 임파 스토를 사랑한다고 생각했다면 슈미트 로틀 러프의 자화상에서이 세부 사항을 살펴보십시오!
Karl Schmidt-Rottluff의 Self-Portrait의이 세부 사항은 페인트를 얼마나 두껍게 사용했는지 보여줍니다. 또한 그가 사용한 색상의 범위, 피부색에 비현실적이지만 효과적인지, 그리고 캔버스에 색상이 얼마나 혼합되어 있지 않은지주의 깊게 살펴보십시오.
Erich Heckel과 Karl Schmidt-Rottluff는 아직 학교에있는 동안 친구가되었습니다. 방과 후에 헤켈은 건축을 공부했지만 공부를 마치지 않았습니다. Heckel과 Karl Schmidt-Rottluff는 1905 년 드레스덴에있는 Brucke (Bridge) 그룹 아티스트의 창립자 중 두 명입니다. 다른 이들은 Fritz Bleyl과 Ernst Ludwig Kirchner입니다.
Heckel은 나치에 의해 퇴보로 선언 된 표현 주의자들 가운데 있었고 그의 그림은 압수되었다.
Fauvism과 마찬가지로, 표현주의는 상징적 인 색과 과장된 이미지를 사용하여 특징 지워졌지만, 독일의 표현은 일반적으로 프랑스의 것보다 인류의 어두운 비전을 제시한다. (견적 출처: Amy Dempsey, Thames and Hudson, p70의 스타일, 학교 및 운동)
Egon Schiele의 그림과 자화상은 확실히 삶의 어두운 관점을 보여줍니다. 그의 짧은 경력 동안 그는 "심리학 적 탐구에 대한 표현주의 선입견의 선봉"에 있었다. (견적 출처: Oxford Artan to Western Art, Hugh Brigstocke, Oxford University Press, p681 편집)
에밀리 놀데 (Emili Nolde)는 화가로 발전하면서“이 복잡한 것에서 무언가를 집중하고 단순하게 만들기 위해 순서가 느슨하고 자유 로워졌다”고 말했다. (견적 출처: Amy Dempsey, Thames and Hudson, p71의 스타일, 학교 및 운동)
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• 흰 나무 줄기의 세부 사항
빈센트 반 고흐가 에밀 놀데의 그림으로 무엇을 만들 었는지 궁금해 할 수는 없습니다. 1888 년 반 고흐는 이것을 그의 형인 테오에게 썼습니다.
"클라우드 모네가 풍경을 위해 달성 한 것을 그림으로 그려야 할 사람은 누구일까요?하지만 저와 같이 누군가가 그 길을 가고 있다고 생각해야합니다. 미래의 화가는 컬러리스트가 될 것입니다." Manet은 그곳에 도착했지만 인상파는 이미 Manet보다 더 강한 색을 사용했습니다. "또한보십시오: 주인의 팔레트: 인상파 주의자의 모네 기술: 그림자는 무슨 색인가?
• 파리의 판단: 마네, 메이 소니 어, 예술적 혁명
"절대 검정은 실제로는 존재하지 않습니다. 그러나 흰색과 마찬가지로 거의 모든 색으로 존재하며 색조와 강도가 다른 끝없는 다양한 회색을 형성합니다. 따라서 자연에서는 실제로 그 색조 나 색조 만 볼 수 있습니다.
"빨간색, 노란색, 파란색의 세 가지 기본 색상 만 있습니다. '복합물'은 주황색, 녹색 및 자주색입니다. 검은 색과 흰색을 추가하면 끝없는 회색, 즉 빨강 회색, 노랑 회색, 파랑- 회색, 녹색 회색, 주황색 회색, 보라색 회색.
"예를 들어, 얼마나 많은 녹색 회색이 있는지 말할 수는 없습니다. 끝없는 다양성이 있습니다. 그러나 색상의 전체 화학은 그 몇 가지 간단한 규칙보다 더 복잡하지 않습니다. 그리고 이것에 대한 명확한 개념을 갖는 것이 더 가치가 있습니다 70 가지 색상의 페인트-이 3 가지 주요 색상과 흑백을 사용하면 70 가지 이상의 색조와 품종을 만들 수 있습니다. 컬러리스트는 자연에서 볼 때 색상을 분석하는 방법을 한 번에 아는 사람입니다 예를 들어 녹색 회색은 노랑, 검정, 파랑 등입니다. 즉, 팔레트에서 자연의 회색을 찾는 방법을 아는 사람이 있습니다. "
(견적 출처: 빈센트 반 고흐가 1882 년 7 월 31 일 동생 테오 반 고흐에게 보낸 편지)
구스타프 클림트 (Gustav Klimt)는 230여 점의 그림을 그린 것으로 알려져 있으며 그 중 50 점 이상이 풍경입니다. 많은 표현주의 그림 들과는 달리, Klimt의 풍경은 그들에 대한 평온함을 가지고 있으며 Hope II와 같은 그의 후기 그림의 밝은 색 (또는 금박)을 가지고 있지 않습니다.
"Klimt의 내면의 열정은 자신의 이해를 더욱 현실적으로 만드는 것이 었습니다. 단순한 육체적 외관 뒤에있는 것들의 본질에 중점을 두었습니다." (견적 출처: Gustav Klimt Landscapes , 번역: Ewald Osers, Weidenfeld and Nicolson, p12)
Klimt는 다음과 같이 말했습니다: "예술가로서 유일하게 주목할만한 저에 대해 알고 싶은 사람은 내 사진을주의 깊게보고 사진에서 내가 무엇을하고 싶은지 확인해야합니다." (견적 출처: Frank Whitford, Collins and Brown, p7의 Gustav Klimt )
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• 블로흐 바우어 클림트 그림 (미술사)
"페인팅은 평면에서 느끼는 현상을 나타내는 예술입니다. 배경과 선을 위해 그림에 사용 된 매체는 색상입니다 … 오늘날의 사진은 물체를 정확하게 재현합니다. 필요에서 해방 된 회화는 자유를 되 찾습니다. "행동의 개인 아이디어의 전체 번역에서 예술 작품이 탄생했습니다."
-에른스트 키르 치너
(견적 출처: Amy Dempsey, Thames and Hudson, p77의 스타일, 학교 및 운동)
이 그림은 반 고흐의 표현주의에 대한 영향, 특히 풍경화에 감정적으로 접근하는 측면에서 훌륭한 예입니다.
"1. 모든 예술가는 창작자로서 개인의 특징을 표현하는 법을 배워야합니다. (개성의 요소)
"2. 모든 시대의 아동으로서 모든 예술가는이 시대의 특징이 무엇인지를 표현해야한다. (시간의 언어와 사람들의 언어로 구성된 내부 가치의 스타일 요소)
"3. 예술의 종으로서의 모든 예술가는 일반적으로 예술의 특징 인 것을 표현해야한다. (순수하고 영원한 예술의 요소는 모든 인간과 모든 사람들 사이에서 항상 발견되며 "모든 국가와 모든 연령대의 예술가들의 작품, 예술의 필수 요소로서 공간이나 시간의 법칙을 준수하지 않는 것")
-바실리 칸딘스키 (Wassily Kandinsky)는 그의 예술과 특히 회화의 영성에 대하여 .
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• 예술가의 인용문: 칸딘스키
• 칸딘스키 프로필 (미술사)
August Macke는 Der Blaue Reiter (The Blue Rider) Expressionist 그룹의 일원이었습니다. 그는 1914 년 9 월 1 차 세계 대전에서 사망했습니다.
오토 딕스는 1905 년부터 1909 년까지 실내 장식 자에게 견습을했으며, 1 차 세계 대전이 시작되어 초안이 완성 된 1914 년까지 드레스덴 예술 공예 학교에서 공부를 시작했습니다.
Van Gogh의 작품은 1903 년과 1906 년에 비엔나에서 상영되어 지역 예술가들에게 그의 혁신적인 기술을 고무 시켰습니다. 반 고흐의 비극적 인 성격으로 식별 된 에곤 실레 (Egon Schiele)와 그의 시들어 진 해바라기는 반 고흐의 해바라기의 우울한 버전처럼 칠해진다.
"저는 지금 해바라기의 네 번째 사진입니다.이 네 번째 사진은 노란색 배경에 대해 14 년 동안 잔뜩 있습니다. 예를 들어, 몇 년 전에 한 마르 멜로와 레몬의 정물입니다. 훨씬 더 커질 때만 다소 특이한 효과이며, 이 효과는 quinces와 레몬보다 더 단순하게 칠해 졌다고 생각합니다. 요즘 나는 흔들림이나 다른 어떤 것도없이 특별한 붓질을 찾으려고 노력하고 있습니다. (견적 출처: 1888 년 8 월 27 일, 아를에서 빈센트 반 고흐가 그의 동생 테오 반 고흐에게 보낸 편지)
고갱은 며칠 전 클로드 모네 (Claude Monet)의 해바라기 사진을 아주 큰 화병에서 보았지만 나에게 더 좋아한다고 말했습니다. 나는 동의하지 않습니다-단지 약해지고 있다고 생각하지 않습니다. … 내가 40 살이되었을 때 고갱이 말하는 꽃과 같은 인물 사진을 찍었다면, 나는 누구든지 예술적으로 누구와도 같은 위치를 차지할 것입니다. 따라서 인내. (견적 출처: 1888 년 11 월 23 일, 아를에서 빈센트 반 고흐와 그의 동생 테오 반 고흐에게 보낸 편지.)
"청 청색의 해바라기 장식 중 하나에는 '후광'이 있습니다. 즉, 각 물체가 눈에 띄는 배경의 보색으로 빛납니다." (견적 출처: 1888 년 8 월 27 일, 아를에서 빈센트 반 고흐와 그의 동생 테오 반 고흐에게 보낸 편지)
