평생 동안 유명한 예술가가된다고해서 다른 예술가들이 당신을 기억한다는 보장은 없습니다. 프랑스 화가 Ernest Meissonier에 대해 들어 보셨습니까?
그는 Edouard Manet과 비평적인 호평 및 판매와 관련하여 훨씬 성공적인 아티스트와 함께 현대적이었습니다. Vincent van Gogh의 경우도 마찬가지입니다. 반 고흐 (Van Gogh)는 그의 형제 테오 (Theo)에게 페인트와 캔버스를 제공하기 위해 의지했지만, 오늘날 그의 그림은 미술 경매에 올 때마다 기록적인 가격을 가져오고 있으며, 그 이름은 세대 이름입니다.
과거와 현재의 유명한 그림을 보면 페인트의 구성과 처리를 포함하여 많은 것을 배울 수 있습니다. 아마도 가장 중요한 교훈은 시장이나 후손이 아니라 궁극적으로 자신을 위해 페인트해야한다는 것입니다.
Rembrandt의 "Night Watch"그림은 암스테르담의 국립 박물관에 있습니다. 사진에서 알 수 있듯이, 363x437cm (143x172 ")의 거대한 그림입니다. 렘브란트는 1642 년에 완성했습니다. 실제 제목은"The Frans Banning Cocq와 Willem van Ruytenburch의 회사 "입니다. 민병대 경비원이 된 회사).
그림의 구성은 그 기간 동안 매우 달랐습니다. 렘브란트는 캔버스에 모든 사람에게 동일한 명성과 공간을 부여하는 깔끔하고 질서있는 모습으로 인물을 보여주는 대신, 바쁜 그룹으로 활동했습니다.
1715 년경에 18 명의 이름을 가진 "나이트 워치"에 방패가 그려졌지만, 그 이름 중 일부만이 밝혀졌습니다. (따라서 그룹 초상화를 그리는 경우를 기억하십시오. 미래 세대가 알 수 있도록 모든 사람들의 이름과 함께 다이어그램을 뒷면에 그리십시오!) 2009 년 3 월 네덜란드 역사가 바 두독 반 힐은 마침내 그림에서 누가 누구의 수수께끼를 풀었습니다. 그의 연구는 심지어 가족 재산의 재고에서 언급 된 "나이트 워치"에 묘사 된 의류와 액세서리의 아이템을 발견했으며, 그는 그림이 완성 된 해인 1642 년에 다양한 민병대의 나이와 충돌했다.
Dudok van Heel은 또한 Rembrandt의 "Night Watch"가 처음 중단 된 홀에서 6 개의 민병대 인물이 연속 시리즈로 원래 표시되었지만 오래 동안 생각 된 6 개의 별도 그림이 아니라는 것을 발견했습니다. 오히려 Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart 및 Flinck의 여섯 그룹 초상화는 서로 일치하지 않는 프리즈를 형성하고 방의 나무 판넬에 고정되었습니다. 또는 그 의도였다. 렘브란트의 "나이트 워치"는 작곡이나 색상의 다른 그림과 맞지 않습니다. 렘브란트는 자신의 커미션 조건을 준수하지 않은 것 같습니다. 그러나 그가 가지고 있다면, 우리는이 놀랍도록 다른 17 세기 그룹 초상화를 본 적이 없었을 것입니다.
일반적으로 Dürer 's rabbit라고 불리는이 그림의 공식 제목은 토끼를 토끼라고 부릅니다. 이 그림은 오스트리아 비엔나에 위치한 Albertina Museum의 Batliner Collection의 영구 컬렉션에 있습니다.
그것은 수채화 용지와 구 아슈를 사용하여 채색되었으며, 종이의 도색되지 않은 흰색이 아닌 구 아슈에서 흰색으로 강조 표시됩니다.
모피를 칠할 수있는 방법을 보여주는 훌륭한 예입니다. 그것을 모방하기 위해, 당신이 취하는 접근법은 얼마나 많은 인내심을 가지고 있는지에 달려 있습니다. 국수가 있다면 한 번에 머리카락 한 개씩 얇은 브러시를 사용하여 페인트를 칠합니다. 그렇지 않으면 마른 브러시 기술을 사용하거나 머리카락을 브러시로 나눕니다. 인내와 인내가 필수적입니다. 습식 페인트에 너무 빨리 작업하면 개별 스트로크가 혼합 위험이 있습니다. 오랫동안 계속하지 않으면 모피가 실처럼 보일 것입니다.
시스 티나 예배당 천장의 미켈란젤로의 그림은 세계에서 가장 유명한 벽화 중 하나입니다.
시스 티나 예배당은 바티칸 시국의 교황 (가톨릭 교회의 지도자)의 공식 거주지 인 사도 궁전에있는 큰 예배당입니다. 베르니니와 라파엘의 벽 벽화를 포함하여 르네상스의 가장 큰 이름 중 일부에 의해 많은 벽화가 그려져 있지만 미켈란젤로의 천장 벽화는 가장 유명합니다.
미켈란젤로는 1475 년 3 월 6 일에 태어 났고 1564 년 2 월 18 일에 사망했다. 예배당은 1512 년 11 월 1 일, 모든 성도의 축제에서 시작되었습니다.
예배당은 길이가 40.23 미터, 폭이 13.40 미터이고 천장이 가장 높은 지점 1 에서 지상 20.70 미터입니다. 미켈란젤로는 일련의 성경적 장면, 선지자 및 그리스도의 조상뿐만 아니라 트롬 프 로일 또는 건축 특징을 그렸습니다. 천장의 주요 영역은 인류의 창조, 은혜로 인한 인간의 타락, 홍수 및 노아를 포함하여 창세기 이야기의 이야기를 묘사합니다.
사람의 창조를 보여주는 패널은 아마도 미켈란젤로가 시스 티나 예배당 천장에서 가장 유명한 프레스코에서 가장 잘 알려진 장면 일 것입니다.
바티칸의 시스틴 예배당에는 많은 벽화가 그려져 있지만 미켈란젤로 천장의 벽화로 가장 유명합니다. 1980 년에서 1994 년 사이에 바티칸 예술 전문가들이 광범위한 복원 작업을 수행하여 촛불과 이전 복원 작업에서 수세기 동안의 연기를 제거했습니다. 이것은 이전에 생각했던 것보다 훨씬 더 밝은 색을 나타 냈습니다.
미켈란젤로 안료에는 빨강과 노랑의 황토, 초록의 규산 철, 파랑의 청금석, 검은 색의 숯이 포함되었습니다. 1 모든 것이 처음에 자세히 묘사 된 것은 아닙니다. 예를 들어 전경의 그림은 배경의 그림보다 더 자세하게 칠해져 천장의 깊이 감을 더 해줍니다.
시스 티나 성당에 대한 자세한 내용:
• 바티칸 박물관: 시스 티나 성당
시스 티나 예배당 가상 투어
출처:
1 바티칸 박물관: 바티칸 시국 웹 사이트 인 시스 티나 성당은 2010 년 9 월 9 일에 접속했습니다.
르네상스 예술가 레오나르도 다빈치는 그림뿐만 아니라 공책으로도 유명합니다. 이 사진은 런던의 V & A 박물관에있는 사진입니다.
런던의 V & A 박물관에는 레오나르도 다빈치의 공책 5 개가 소장되어 있습니다. Codex Forster III로 알려진이 작품은 1490 년에서 1493 년 사이에 레오나르도 다빈치가 밀라노에서 듀크 루도비코 스포르차 (Duke Ludovico Sforza)를 위해 일할 때 사용되었습니다.
작은 노트북으로 코트 주머니에 쉽게 보관할 수있는 크기입니다. 그것은 "말 다리의 스케치, 공의 의상에 대한 아이디어일지도 모르는 모자와 옷의 그림, 그리고 인간의 머리의 해부학에 대한 설명"을 포함하여 모든 종류의 아이디어, 메모 및 스케치로 채워져 있습니다. 1 박물관에서 전자 필기장 페이지를 넘길 수는 없지만 온라인으로 전자 필기장을 넘길 수 있습니다.
붓글씨 스타일과 그의 거울 쓰기 (뒤에서 오른쪽에서 왼쪽으로) 사이에서 필기를 읽는 것은 쉽지 않지만 일부는 그가 어떻게 모든 종류의 노트를 하나의 노트에 넣는지를 보는 것이 매력적이라고 생각합니다. 쇼 피스가 아니라 작동하는 노트북입니다. 창의력 저널이 어떻게 든 올바르게 구성되거나 구성되지 않았다고 걱정 한 경우, 이 마스터로부터 리드를 얻으십시오. 필요에 따라 수행하십시오.
출처:
1. Forster Codices, V & A Museum을 둘러보세요. (2010 년 8 월 8 일 액세스)
파리의 루브르 박물관에서 레오나르도 다빈치의 "모나리자"그림은 아마도 세계에서 가장 유명한 그림 일 것입니다. 아마도 스 푸마 토의 가장 잘 알려진 예일 것입니다. 그녀의 수수께끼를 짓는 미소를 짓는 회화 기법입니다.
그림 속의 여자가 누구인지에 대한 많은 추측이있었습니다. Francesco del Giocondo라는 피렌체 천 상인의 아내 인 Lisa Gherardini의 초상 인 것으로 생각됩니다. (16 세기 미술 작가 바사리는 그의 "예술가들의 삶"에서이를 제안한 최초의 인물 중 하나였다). 그녀가 미소를 낸 이유는 그녀가 임신했기 때문이라고 제안되었습니다.
미술사 학자들은 레오나르도가 1503 년까지 피렌체의 고위 간부 인 아고스티노 베스푸치 (Agostino Vespucci)가 기록한 것으로 1503 년에 "모나리자"를 시작했다는 것을 알고있다. 그가 끝났을 때, 그것은 확실하지 않다. 루브르 박물관은 원래 그림을 1503-06 년으로 거슬러 올라갔지 만, 2012 년에 발견 된 발견에 따르면 1510 년에 알려진 것으로 알려진 암석 그림을 바탕으로 한 배경을 바탕으로 한 10 년 후의 그림이 완성되었습니다. -15. 1 루브르 박물관은 2012 년 3 월에 날짜를 1503-19로 변경했습니다.
출처:
1. 모나리자는 2012 년 3 월 7 일 Martin Bailey에 의해 The Art Newspaper에서 생각한 것보다 10 년 후 완료 될 수있었습니다 (2012 년 3 월 10 일 액세스)
그림을위한 참고 사진: Monet의 "Garden at Giverny."
인상파 화가 클로드 모네 (Claude Monet)가 유명한 이유 중 하나는 지베르니 (Giverny)에있는 그의 큰 정원에서 만든 백합 연못의 반사 그림입니다. 그의 인생이 끝날 때까지 수년 동안 영감을 얻었습니다. 그는 연못에서 영감을 얻은 그림에 대한 아이디어를 스케치했으며 개별 작품 및 시리즈로 작고 큰 그림을 만들었습니다.
모네가 그림에 어떻게 서명했는지에 대한이 예는 수련 그림 중 하나에서 비롯된 것입니다. 그가 이름과 성 (Claude Monet)과 연도 (1904)로 서명 한 것을 볼 수 있습니다. 오른쪽 하단 모서리에 있으므로 프레임으로 잘리지 않습니다.
Monet의 전체 이름은 Claude Oscar Monet입니다.
모네의이 그림은 인상파 예술 스타일의 이름을 지어주었습니다. 그는 1874 년 파리에서 첫 인상파 전람으로 알려졌다.
예술가 평론가 루이 르로이 (Louis Leroy)는 "인상 주의자 전시회 (Exhibition of Impressionists)"라는 제목의 전시회를 검토하면서 다음과 같이 말했다.
출처:
1. "L' Exposition des Impressionnistes"1874 년 4 월 25 일 파리, Le Charivari의 Louis Leroy John Rewald에 의해 Impression of History, Moma, 1946, p256-61; 살롱에서 비엔날레까지 인용: 브루스 Altshuler, Phaidon, p42-43에 의해 예술 역사를 만든 전시회.
모네는 종종 빛의 변화하는 효과를 포착하기 위해 일련의 동일한 주제를 그렸습니다.
모네는 많은 주제를 반복해서 그렸지만 수련 그림이든 건초 더미이든 그의 시리즈 그림은 모두 다릅니다. 모네의 그림은 전 세계 컬렉션에 흩어져 있기 때문에 일반적으로 일련의 그림을 그룹으로 보는 것은 특별 전시회에서만 가능합니다. 운 좋게도 시카고 아트 인스티튜트 (Art Institute)는 모네의 건초 더미 그림을 소장하고 있습니다.
1890 년 10 월 모네는 미술 비평가 구스타브 게 프리에게 자신이 그림으로 그린 건초 더미 시리즈에 관한 편지를 썼습니다.
"저는 열심히 일하면서 일련의 다른 효과에 대해 완고하게 노력했지만, 이 해에 태양이 너무 빨리 멈춰서 그것을 따라 가기가 불가능합니다. 더 많이 얻을수록 더 많이 볼 수 있습니다. 내가 찾고있는 것을 렌더링하기 위해 많은 작업을 수행해야합니다. '즉시', 무엇보다도 '봉투', 모든 것에 동일한 빛이 퍼져 있습니다 … 내가 무엇을 렌더링 할 필요성에 점점 더 집착합니다. 나는 그 방향으로 진전을 이룰 수 있다고 생각하기 때문에 몇 년 더 남을 수 있기를기도합니다 … " 1
출처:
1. 자신 에 의한 모네, p172, 1989 년 런던 맥도날드 & 리차드 켄달 (Richard Kendall)에 의해 편집 됨.
클로드 모네, "수련", c. 19140-17, 캔버스에 오일. 크기 65 3/8 x 56 인치 (166.1 x 142.2cm) 샌프란시스코 미술 박물관 컬렉션에서.
모네는 아마도 인상파 주의자들 중 가장 유명한 인물 일 것입니다. 특히 그의 지베르니 정원 (Giverny garden)에있는 백합 연못에 반사 된 그의 그림들로 인해 가장 인상적입니다. 이 특정 그림은 오른쪽 상단 모서리에 약간의 구름이 있고 물에 반사 된 하늘의 얼룩덜룩 한 파란색이 표시됩니다.
모네의 백합 연못과 백합 꽃과 같은 모네의 정원 사진을 연구 하고이 그림과 비교하면 모네의 본질을 포함하여 모네가 그의 예술에서 세부 사항을 어떻게 축소했는지에 대한 느낌을 얻을 수 있습니다. 장면, 또는 반사, 물 및 백합 꽃의 인상. Monet의 브러시 효과를 쉽게 느낄 수있는 더 큰 버전을 보려면 위 사진 아래의 "전체 크기보기"링크를 클릭하십시오.
프랑스 시인 Paul Claudel은 다음과 같이 말했습니다.
"물에 감사하고, 우리가 볼 수없는 것의 화가가되었습니다. 그는 빛과 반사를 분리하는 보이지 않는 영적인 표면을 다루고 있습니다. 액체의 푸른 공기를 포획 한 공기 빛으로 물들입니다 … 구름의 소용돌이에서 물의 바닥에서 색이 솟아납니다."
출처:
Jean-Louis Ferrier와 Yann Le Pichon의 <세기의 예술>
카밀 피사로 화가는 그의 동시대 인물들 (모네 등)보다 잘 알려지지 않았지만 예술 타임 라인에서 독보적 인 위치를 차지하고 있습니다. 그는 인상파와 신 인상파로 일했으며 세잔, 반 고흐, 고갱과 같은 현재 유명한 예술가들에게 영향을 미쳤다. 그는 1874 년부터 1886 년까지 파리에서 열린 인상파 전시회 8 개 모두에 출품 한 유일한 예술가였습니다.
Vincent van Gogh의이 초상화는 시카고 아트 인스티튜트의 컬렉션에 있습니다. Pointillism과 유사한 스타일을 사용하여 페인트되었지만 점에만 엄격하게 붙지는 않습니다.
2 년 동안 1886 년부터 1888 년까지 파리에서 살았던 반 고흐는 24 개의 자화상을 그렸습니다. 시카고 아트 인스티튜트 (Art Institute of Chicago)는 이것을 과학적인 방법으로 사용하지 않고 "빨간색과 초록색 점들이 혼란스럽고 완전히 반 고흐의 긴장된 긴장을 유지하는 강렬한 감정적 언어"인 Seurat의 "점 기술"을 사용하는 것으로 설명했습니다. 시선."
몇 년 후 반 고흐의 동생 빌헬미나에게 보낸 편지에서 다음과 같이 썼다.
"저는 최근 나 자신의 그림 두 개를 그렸습니다. 그 중 하나는 오히려 실제적인 성격을 지니고 있습니다. 비록 네덜란드에서는 아마도 여기에서 발아하는 인물 그림에 대한 아이디어를 비웃을 것입니다. … 나는 항상 사진이 가증스럽고, 주변 사람들, 특히 내가 알고 사랑하는 사람들이 아닌 것을 좋아하지 않습니다 …. 우리보다 훨씬 빨리 사진 초상화가 사라지는 반면, 그려진 인물은 사랑이나 존경으로 느껴지는 것입니다. 묘사 된 인간."
출처:
1889 년 9 월 19 일 빌헬미나 반 고흐에게 보내는 편지
캔버스에 페인트를 칠하는 것은 분명히 허스트에게 새로운 방향이며, 허스트가가는 곳에서는 미술 학생들이 따라 올 것입니다. 유화는 다시 유행이 될 수 있습니다.
런던 여행에 관한 About.com의 안내, Laura Porter는 Hirst 전시회의 언론 미리보기로 가서 내가 알고 싶어했던 한 가지 질문에 대해 대답했습니다.
Laura는 "25 개의 그림 중 하나 인 검은 색인 프 러시안 블루"라고 들었습니다. 그것이 너무 어둡고 연기가 나는 파란색 인 것은 놀라운 일이 아닙니다!
The Guardian 의 미술 비평가 Adrian Searle은 Hirst의 그림에 대해 그리 호의적이지 않았습니다.
"가장 최악의 경우, 허스트의 그림은 단지 아마추어와 청소년처럼 보인다. 그의 붓질은 화가나 거짓말이 당신을 화가의 거짓말을 믿게한다. 그는 아직 그것을 옮길 수 없다." 2
출처:
BBC 뉴스, 2009 년 10 월 1 일
2. "Damien Hirst의 그림은 치명적입니다.", Adrian Searle, Guardian, 2009 년 10 월 14 일.
Antony Gormley는 1998 년에 공개 된 그의 조각 Angel of the North로 아마도 가장 유명한 영국 예술가입니다. 영국 북동부 Tyneside의 한 번의 콜리 건이었던 사이트에서 54 미터 너비의 날개로 당신을 환영합니다.
2009 년 7 월 런던의 트라팔가 광장에있는 Fourth Plinth에 설치된 Gormley의 설치 작품은 100 일 동안 하루 24 시간 주각에서 한 시간 동안 자원 봉사를 서있었습니다. 트라팔가 광장의 다른 주 각과는 달리 내셔널 갤러리 바로 바깥의 네 번째 주각에는 영구적 인 동상이 없습니다. 참가자 중 일부는 예술가였으며 그들의 특이한 관점 (사진)을 스케치했습니다.
Antony Gormley는 1950 년 런던에서 태어났습니다. 1977 년부터 1979 년까지 런던의 Slade School of Art에서 조각에 중점을두기 전에 영국의 여러 대학과 인도 및 스리랑카의 불교에서 공부했습니다. 그의 첫 개인전은 1981 년 Whitechapel Art Gallery에서 열렸습니다. 1994 년 Gormley "영국 제도에 대한 필드"로 터너 상을 수상했습니다.
그의 웹 사이트에서 그의 전기는 다음과 같이 말합니다.
… Antony Gormley는 자신의 몸을 주제, 도구 및 재료로 사용하여 기억과 변형의 장소로서 몸에 대한 철저한 조사를 통해 조각으로 인간의 이미지를 활성화했습니다. 1990 년부터 그는 대규모 단체에서 집단 단체와 자기와 다른 사람의 관계를 탐구하기 위해 인간의 상태에 대한 관심을 넓혔습니다 …
Gormley는 전통적인 스타일의 조각상을 만들 수 없기 때문에 자신이하는 인물을 만들고 있지 않습니다. 오히려 그는 차이점과 그들이 해석 할 수있는 능력에서 기쁨을 얻습니다. 그는 타임즈 1 과 의 인터뷰에서 다음과 같이 말했다.
"전통적인 동상은 잠재력에 관한 것이 아니라 이미 완성 된 것에 관한 것입니다. 협업보다는 억압적인 도덕적 권위가 있습니다. 제 작품은 공허함을 인정합니다."
출처:
2008 년 3 월 2 일, 타임스, 존 폴 플린 토프 (John-Paul Flintoff)의 형을 깨뜨린 남자 Antony Gormley
왼쪽에서 오른쪽으로 예술가 인 Bob and Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake 및 Alison Watt.
이 행사는 런던 국립 미술관에서 티티 안 (다이아 틴과 보이지 않는 왼쪽)의 회화 다이아나와 액 타이온 을 관람하는 것으로, 갤러리의 그림을 사기 위해 기금을 모으는 것을 목표로했다.
이 두 화가 중 Jackson Pollock은 Lee Krasner보다 유명하지만 자신의 작품에 대한 지원과 홍보가 없으면 아트 타임 라인에 자신의 자리가 없을 수도 있습니다. 둘 다 추상 표현주의 스타일로 그렸습니다. 크라스 너는 단지 폴락의 아내로 간주되기보다는 자신의 권리에 대한 비판적인 호평을 위해 고군분투했다. Krasner는 시각 예술가들에게 보조금을 제공하는 Pollock-Krasner Foundation을 설립하기 위해 유산을 남겼습니다.
Louis Aston Knight (1873-1948)는 파리 출신의 미국 출신 예술가로서 풍경화로 유명했습니다. 그는 처음에는 예술가 아버지 Daniel Ridgway Knight의 교육을 받았습니다. 그는 1894 년 프랑스 살롱에서 처음으로 전시회를 열었으며 평생 동안 계속해서 미국에서 호평을 받았습니다. 그의 그림 The Afterglow 는 1922 년 백악관의 Warren Harding 미국 대통령에 의해 구입되었습니다.
불행히도 미국 미술 기록 보관소 의이 사진은 우리에게 위치를 제공하지는 않지만 그의 이젤 사다리와 페인트로 물에 기꺼이 물러 가려는 예술가는 자연을 관찰하는 데 매우 헌신적이라고 생각해야합니다. 흥행사.
American Art Archives의 1897 년이 사진은 강사 William Merritt Chase와 함께한 여성 미술 수업을 보여줍니다. 그 당시 남성과 여성은 미술 수업에 개별적으로 참석했으며, 그로 인해 여성은 미술 교육을받을 수있을만큼 운이 좋았습니다.
St Paul School of Fine Arts의 여름 수업 인 미네소타 멘도 타의 미술 학생들은 1900 년경 버트 하 우드 선생님과 함께 사진을 찍었습니다.
패션을 제외하고, 큰 모자는 야외에서 그림을 그리는 데 매우 실용적입니다. 눈에서 햇빛을 차단하고 얼굴이 햇볕에 닿는 것을 막습니다 (긴팔상의처럼).
때로는 작품의 규모가 피사체보다 훨씬 큰 영향을 미칩니다. Yinka Shonibar의 "병에 담긴 넬슨의 배"는 그런 작품입니다.
Yinka Shonibar의 "Nelson 's Ship in a Bottle"은 더 큰 병 안에 2.35 미터 높이의 배입니다. 넬슨 부통령의 주력 품 인 HMS Victory 의 1:29 스케일 복제품입니다.
"넬슨의 병에 담긴 배"는 2010 년 5 월 24 일 런던 트라팔가 광장에있는 제 4 주각에 출연했다. 제 4 주각 시운전 그룹.
"병에 담긴 넬슨의 배"이전의 작품은 Antony Gormley의 다른 작품으로, 한 사람이 한 시간 동안, 시계 주위에서 100 일 동안 주각에 서있었습니다.
2005 년부터 2007 년까지는 Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant 의 조각을 볼 수 있었으며 2007 년 11 월부터 Thomas Schutte의 2007 호텔 모델이었습니다.
"병에 담긴 넬슨의 배"의 항해에 대한 바틱 디자인은 아프리카의 천과 그 역사에서 영감을 얻은 캔버스에 예술가가 손으로 그린 것입니다. 병은 유리가 아닌 방풍 유리로 만든 5x2.8 미터이며, 병을 열어서 배를 건설 할 수있을 정도로 커집니다.
