캐주얼 한 관찰자에게는 예술의 세계가 접근하기 어려워 보일 수 있습니다.

그림을 보거나, 발레를 보거나, 클래식 콘서트를 들으면 일반 대중과 예술 애호가들은 감정적 인 반응을 보일지 모르지만 이러한 작품이 어떻게 만들어 졌는지 이해하지 못할 수도 있습니다.

많은 사람들은 재능, 행운, 천재가 높은 예술을 존재하게 할 책임이 있다고 생각합니다. 이것들은 분명히 역할을하지만 전체 이야기는 아닙니다. 훈련이 덜 된 눈에 의해 눈에 띄지 않을 수 있지만 모든 예술은 공통 원칙, 즉 원칙에 따라 디자인 원칙에 의해 뒷받침됩니다.

댄서들은 동료 공연자와 시간을 맞춰 공연을함으로써 한 단원으로 움직입니다. 화가와 다른 시각 예술가들은 원근법, 구성, 빛 또는 그림자의 사용 요소를 조작하는 법을 배웁니다.

고전 음악가들은 조화와 음악 형식의 규칙을 연구합니다. 그들은 좋은 억양을 달성하고 원하는 소리를내는 방식으로 몸을 움직이는 법을 배웁니다.

정교하고 성숙한 아티스트로 발전하려면 공예의 기본 디자인 원칙을 제대로 이해해야합니다. 바흐와 베토벤의 음악은 조화 규칙을 완전히 숙달하지 않으면 존재하지 않을 것입니다. 모네와 베르메르 (Vermeer)는 그림에 빛을 사용하고 원근법을 완전히 제어하지 않은 것으로 유명하지 않습니다.

모든 예술 분야에서, 주제의 핵심 교리에 대한 지식과 존중은 가장 이른 수준에서 시작되어 지속적으로 더 높은 수준의 숙달을 구축하기위한 기초로 사용됩니다.

학생과 전문가 모두이 확립 된 핵심 철학을 사용하여 경력의 최상위 단계에서도 매일 자신의 작업에 정보를 제공합니다.

예술적 형태에서 이러한 원칙의 대부분은 미적 개념보다는 특정한 움직임이나 붓질을 어떻게해야하는지 또는 특정 주제 나 메모를 어디에 두어야하는지에 대한 기술적 측면과 관련이 있습니다.

따라서 지원 프레임 워크가 아닌 엄격한 방식으로 쉽게 볼 수 있습니다. 그러나, 당신이 당신의 기술을 발전시키면서, 당신은 각 예술가가 자신의 원리에 대한 자신의 해석을 가지고 있음을 알게됩니다. 이것이 각각의 작품과 예술가가 서로 다른 것을 허용하는 것입니다.

기술적 인 관심사를 익히고 기술을 지속적으로 다듬는 과정에서 규칙을 자신의 방식으로 조작하는 방법을 배우게되며 이는 업무에 의미, 독창성 및 개인적 표현을 줄 것입니다. 바흐, 베토벤 및 모든 위대한 대가들은 규칙을 완성하고 구부 렸습니다. 이것이 당신이 독특하고 기억에 남는 아티스트가되는 방법입니다.

2 차원 표면에 3 차원 요소를 나타내야하므로 그리기와 같은 시각 예술은 특히 어려울 수 있습니다. 그러나 초보자라도 특정 원칙을 준수하면 좌절감과 노력이 줄어 미술이 설득력 있고 표현력이 향상됩니다. 그림을 그리는 사람에게 필수적인 기본 디자인 기술 중 일부를 살펴 보겠습니다.

구성

구성은 도면의 모든 요소의 레이아웃입니다. 모양, 선, 색, 색조 및 공간이 모두이 부분입니다.

그리기를 시작하기 전에 예비 스케치를 만들고 그릴 내용을 계획하는 것이 가장 좋습니다. 이 작업을 수행 한 후에는 드로잉에 대해 가장 먼저 생각해야 할 것은 모양입니다. 처음부터 전체 도면에 대해 전체적으로 큰 모양 (형상)을 설정해야합니다.

원하는 윤곽을 전달한 후에는 작은 크기의 개별 객체 작업을 시작해야합니다. 작은 모양을 먼저 그리려고하면 좌절감이 생깁니다. 당신의 작품은 정의가 결여되어 있고 설득력이 없을 것입니다. 다시 말해, 기본을 제대로 얻을 때까지 세부 사항을 무시하십시오!

선은 그림을 통해 시청자를 안내하는 방법입니다. 가로 그림은 가로 그림과 같이 평온한 느낌을 전달합니다. 대각선은 장력을 추가 할 수 있습니다. 일반적으로 곡선은 직선보다 훨씬 자연스럽고 기분 좋은 느낌을줍니다. 그들은 또한 당신의 작품에 좋은 운동 감각을 부여하여 더욱 사실적으로 보입니다.

물론 색상은 팔레트에서 사용하는 색상을 처리합니다. 또한 강도에 관한 것입니다. 색상을 원하는 채색 (생생한) 또는 미묘한 정도, 밝은 색 또는 어두운 색의 아이디어를 표현하는 데 사용할 것인지 여부를 선택해야합니다.

음영 또는 "값"이라고도하는 톤은 색상과 직접 관련이 있습니다. 음영을 사용하여 작업에 그림자를 만들 수 있습니다 (예: 풍경에서 태양이 만든 그림자). 이를 통해 작품이 입체적으로 보이고 시청자에게 깊이 감을 줄 수 있습니다.

예술 작품이 작동하려면 공간 사용도 고려해야합니다.

음수 공간이라고하는 그림의 요소 사이에 원하는 공간과 그림의 객체를 채우려는 공간의 양 (양의 공간)을 고려하십시오. 어떤 종류의 그림을 사용 하느냐에 따라 달라집니다.

서양 예술에서, 부정적인 공간은 종종 색상이나 음영으로 채워지지만, 일부 아시아 예술은 종이 자체의 빈 공간을 중앙 객체 주위에 둡니다. 이것도 매우 효과적 일 수 있습니다.

기억해야 할 것은 조각의 각 요소 사이에 동일한 양의 음수 공간을 두지 마십시오. 흥미를 유지하려면 음수 공간의 모양과 크기를 변경하는 것이 중요합니다.

균형과 화합

균형과 통일성은 "좋은"전통 예술의 특징으로 간주됩니다. 위대한 예술가들에 의해 시도되고 테스트 된 황금 규칙이 있습니다. 자신의 작품에서 균형을 찾는 데 사용할 수 있습니다.

그러나 먼저 황금률 규칙을 쉽게 따르는 데 도움이되는 몇 가지 일반적인 팁이 있습니다. 그림에 주요 관심 영역과 초점이 ​​있어야 시청자가 볼 내용을 알고 너무 많은 작은 요소에 방해받지 않도록해야합니다.

작품에서 가장 눈에 띄는 피사체를 중심에서 약간 벗어난 곳에 배치하여 시청자에게 멋진 흐름을 제공하고 그림이 아닌 그림을 향하도록하십시오.

현실감이 떨어질 수 있으므로 그림을 세로 나 가로로 반으로 자르지 마십시오. 작업에 수평선을 사용하는 경우 사진 중앙에 있지 않은지 확인하십시오. 높이나 낮게 배치하여 현재 상태에 따라 더 "하늘"또는 "지상"으로 표시되도록하십시오. 그림.

그리고 지금, 황금률. 첫 번째 황금률은 3 분의 1의 규칙이며 실제로는 황금 평균과 관련이 있습니다. 황금 평균 또는 황금 비율은 수세기 동안 고전 예술가들을 이끌어 왔습니다. 작품의 요소는 다른 요소와 관련하여 각 요소의 비율이 1 ~ 1.618 (약 3 ~ 5)이되도록 배치해야합니다. 3의 법칙은 황금 평균 의 단순화 된 버전입니다 .

이를 따르 려면 그림을 크기가 동일한 3 개의 열과 행의 격자로 나눕니다. 주 피사체와 작은 관심 영역을 그리드의 선 중 하나 근처에 배치하고 가능한 경우 그리드의 행과 열의 교차점에 배치하십시오. 이렇게하면 시각적으로 조각을 반으로 자르는 영역에 중요한 요소를 두지 않고 시청자의 눈을 막을 수 있기 때문에 드로잉에서 이상적인 균형을 쉽게 만들 수 있습니다.

3의 법칙과 마찬가지로 승률 의 법칙도 홀수에 기초합니다. 사실적인 그림을 얻으려면 짝수 대신 1 또는 3과 같이 홀수의 피사체가 있어야합니다. 하나의 주요 초점이 있다면 그 주위에 짝수의 항목을 넣으십시오. 이렇게하면 작업에 홀수 개의 요소가 생겨 일반적으로 눈에 더 좋습니다. 이전 규칙과 마찬가지로, 3 분의 1의 규칙을 사용하면 작업을 바로 중심에서 자르지 않아도됩니다.

작업을 통합하려면 일부 요소를 반복하는 것이 중요합니다. 예를 들어, 심볼이나 모티프를 선택하여 드로잉의 특정 영역에서 다른 색상이나 작은 크기로 반복 할 수 있습니다. 이것은 작품에 패턴을 설정하고 시청자에게 합리적입니다. 다양한 작업을 원하기 때문에이를 과도하게 사용하지 않는 것이 중요합니다.

원근법

관점을 개발하는 것은 예술의 기본 기술이며, 작품에 깊이와 거리감을 부여합니다. 그림에서 원근은 이미지의 배경을 향해 갈수록 객체가 작아지고 이미지의 전경 (앞)에는 더 큰 객체가 있음을 나타냅니다.

아티스트에게는 선형 및 공중 투시도 가 모두 중요합니다. 선형 투시도는 1 포인트, 2 포인트 또는 3 포인트 투시도로 나눌 수 있습니다. 1 점 투시가 가장 간단한 시작 지점입니다. 그것을 사용하려면보기와 고정 점이 필요합니다.

교회를 그리는 경우, 머리를 똑바로 펴서 보는 것이 정면이고, 고정 점은 앞에있는 동상과 같이 원하는대로 선택할 수 있습니다. 소실점과 수평선 의 두 가지를 사용하여 시청자의 눈을 동상으로 안내합니다 . 소실점은 눈이 자연스럽게 닿는 거리의 어느 지점이든 될 수 있습니다. 교회에서는 먼 벽의 점일 수 있습니다.

소실점은 수평선의 수평선에 통합되어 있으며 하늘의 길고 평평한 수평선 (또는 실내의 경우지면)은 그림의 왼쪽과 오른쪽으로 그리고 심지어는 그림 밖으로 확장됩니다. 원근법은 매우 복잡한 도구 이며 다양한 형태를 취하지 만, 원 포인트 원근법을 설정하는 기본 사항으로, 작업에 치수와 자연스러운 모양을 부여합니다.

구성, 균형, 통일성 및 원근법의 필수 그리기 요소는 모든 예술 형태에서 찾을 수 있습니다. 무용수와 음악가는 시각 예술가와는 달리 이러한 요소에 대한 정의와 접근 방식이 다르지만 모든 예술 분야간에 공통 핵심을 형성합니다.

어떤 분야에서든 이러한 기본 원칙을 준수하면 작품이 아마추어가 아닌 전문적이고 작품이 개성을 표현하고 청중에게 메시지를 명확하게 전달할 수 있습니다.